Prag. Eine Stunde vor der Vernissage der eintrittsfreien Biennale Matter of Art, die von transit.cz in der Prager Nationalgalerie organisiert wird, schlenderte ich durch den Buchladen der Galerie und stieß auf eine englische Ausgabe von Bohumil Hrabals Tender Barbarian. Das Buch, geschrieben als ein Nachruf auf seinen Freund Vladimír Boudník, beschwört spektakuläre Vorstellungen eines Schriftstellers und eines Künstlers in der Tschechoslowakei herauf, beide exzentrisch bis zur Bewunderung und beide aus Überzeugung in der Stahlfabrik beschäftigt. Tage später bejubelte meine Freundin, eine junge und scharfsinnige tschechische Schriftstellerin, Hrabal als die bedeutendste Figur der tschechischen Literatur, während ihre zweijährige Tochter Blumen von meiner Brioche pflückte. Ich dachte damals, dass man kaum einen Ort finden könnte, an dem das Erbe der Arbeiter*innenbewegung so lebendig ist wie in der Tschechischen Republik; meine Freundin nannte ihr Kind Leopoldina nach der Stahlfabrik, mit deren Benennung man die Ehefrau des Besitzers Karl Wittgenstein ehrte.
Es war die erste Vernissage, an der ich teilnahm, bei der sich so viele Kinder – und damit auch Mütter – wohlfühlten (die Kleinen waren vor allem von der Installation von björnsonova angetan). Als ich den Biennale-Guide in der Hand hielt, merkte ich, wie reich die Ausstellungsbesetzung an Verschiebungen war: Flüchtigkeit, Umsiedlung und Exil durchziehen die Geografie der Biennale, die die Gebiete umfasst, die durch die Mischung aus Imperialismus und Sozialismus in Mitleidenschaft gezogen wurden, und über das vielseitige Ostmitteleuropa hinausreicht. Der thematische Akzent auf Arbeit förderte die Zusammenführung unterschiedlicher Kontexte. Ich schätzte eine bestimmte Art von kuratorischer Sensibilität, die sich der Fallstricke von Vergleichen bewusst, aber unerschrocken genug ist, um nach Gemeinsamkeiten zu suchen – etwas, das man vielleicht unbewusst entwickelt, wenn man ein Leben in Städten mit rechtsextremen Regimen führt, wie es bei den Biennale-Kuratoren Katalin Erdődi (Budapest) und Alexei Borisionok (Minsk) der Fall ist.
In der Tat sind die aktuellen Arbeitsbedingungen und ihre teils schädlichen Auswirkungen ein globales, drängendes Thema mit immensem Potenzial, Gemeinschaften auch jenseits von Unterschieden zu mobilisieren. Aufgeteilt nach den Fachgebieten der Kuratoren untersucht die Biennale die vielfältigen Dimensionen der Arbeit auf dem Land (Erdődi) und in den Fabriken (Borisionok). Die Halle des ehemaligen Messepalasts in der Nationalgalerie wurde in einen kunterbunten, scheinbar ungeordneten Raum verwandelt, der sowohl an ein Feld als auch an eine Fabrik erinnert – eine kuratorische Geste der Distanzierung von „sterilen“ Displays, die zeitgenössische Kunst immer noch als eine Ansammlung von geweihten Artefakten präsentieren, die in verhaltener Ehrfurcht bewundert werden sollen. Kateryna Lysovenko, deren Biennale-Installation die gewaltvolle Geschichte hinter der Sammlung der Eremitage enthüllt, bemerkte: „Ich liebe es, wenn Kunst nicht stillgelegt und an eine Korkwand gepinnt ist. Hier sieht man alles in Bewegung, im Prozess, es ist eine Baustelle!“ Der Guide, der bewusst in einer verständlichen Sprache geschrieben ist (die von Anhänger*innen des professionellen Obskurantismus als dilettantisch bezeichnet wird), ist überzeugend und aufrichtig: Wir haben nicht alle Antworten, aber wir wollen voneinander lernen und den Schmerz des anderen ergründen, ohne zu versuchen, das Leiden zu quantifizieren und ohne anzunehmen, dass die Anerkennung des eigenen Verlusts den des anderen irgendwie schmälert.
Wie jede Ausstellung, die sich mit Politik auseinandersetzt, ist auch Matter of Art eine Momentaufnahme historischer Fehlentwicklungen (Kriege, Genozide und Ökozide sind die Lehren, die in der Wiederholung offensichtlich nicht gelernt wurden), doch viele Werke bieten inspirierende und berührende Beispiele für Resilienz. Ich habe weit mehr als eine halbe Stunde damit verbracht, Pinar Öğrencis Installation Resisting Forest (2019) zu betrachten, eine prächtige Kurve aus Holzstöcken, die das Geräusch wiedergeben, das sie in den Händen von Frauen aus Aslandere (Schwarzmeerregion der Türkei) erzeugen, die in ergänzenden Videointerviews von ihrem friedlichen und wirksamen Protest gegen den Bau privater Energieanlagen erzählen. Mir gefiel, dass die Ausstellung verzerrte und zusammengesetzte Subjektivitäten widerspiegelte, die zwischen Örtlichkeiten, Gesellschaften und Bedrängnissen oszillierten, während sie gleichzeitig dem Umfeld der Biennale in der Tschechischen Republik Tribut zollte. Die Werke, die den konzeptionellen Rahmen bilden, sind Fotodokumentationen von Petr Štemberas Performances, insbesondere von Grafting (Veredelung) aus dem Jahr 1975, bei dem sich der rätselhafte tschechische Aktionist in einem anspruchsvollen und anstrengenden morphologischen Experiment eine Pflanze in den Arm pfropfte und seinen Körper mit einem Stamm verschmolz. Umgeben sind sie von den Werken von Kateryna Aliinyk und Natalie Perkof, zwei hervorragenden Künstlerinnen der zeitgenössischen ostmitteleuropäischen Szene, die beide in ihrer Praxis identitätsstiftende Narrative untergraben.
Die wichtigste Geschichte, auf die die Biennale aufmerksam macht, ist die Gründung der beeindruckenden und viel zu wenig beachteten Sammlung Lidice, die aus einer Solidaritätsbewegung heraus entstand. Das Dorf Lidice, etwa eine Stunde von Prag entfernt, wurde 1942 an einem einzigen Tag von den Nazis ausgelöscht; die Einwohner*innen, darunter auch Kinder, wurden entweder an Ort und Stelle ermordet oder in Konzentrationslager geschickt. Unbekannte Unterstützung kam aus dem Vereinigten Königreich durch die von Sir Barnett Stross initiierte Kampagne Lidice Shall Live, die Mittel für den Wiederaufbau des Dorfes sammelte. 1966 gründete Stross die Sammlung als eine Wette auf die Zukunft, und der Berliner Galerist René Block reagierte im folgenden Jahr mit der Ausstellung Hommage à Lidice. Berichten zufolge fuhr Block den Volkswagen-Bus von Joseph Beuys (aus Das Rudel, 1969), beladen mit Werken renommierter deutscher Nachkriegskünstler, von Westberlin in die Tschechoslowakei. Nikita Kadan schuf ein glühendes Statement zum Thema Krieg, indem er die Lidice-Sammlung mit überwiegend ukrainischer Kriegskunst bestückte; ähnlich wie Block musste er die Werke in einem Koffer transportieren, da der Krieg die Mobilität einschränkte.
Die Biennale stellt ganz unverhohlen die Frage, ob die Kunstwelt den Unterdrückten nützen kann, und gibt vorsichtige, aber affirmative Antworten. Roh, zuweilen ungeschliffen konfrontiert sie mit „unbequemen“ Themen und fordert die Kunst auf, nicht länger bloße Deko für diejenigen zu sein, die wirtschaftliche Sicherheit und sichere Distanz bewahren.
Übersetzt von Redaktion